Amy Winehouse: ascolta "Halftime", un nuovo inedito da "Lioness: Hidden Treasures"
E siamo a quota tre. Tre inediti dei dodici che saranno contenuti in “Lioness: Hidden Treasures“, il disco postumo di Amy Winehouse che la Island pubblicherà il prossimo 5 dicembre. Dopo “Like Smoke” - il duetto con Nas - e “Our Day Will Come” - la cover del brano portato al successo dai Ruby & The Romantics - ecco “Halftime”, che potete ascoltare in streaming video quì sopra.
In realtà questa “Halftime” non è propriamente un inedito. Venne infatti registrata nove anni fa, quando Amy Winehouse entrò in studio insieme a Mark Ronson e Salaam Remi per incidere le tracce che avrebbero poi fatto parte di “Frank”, l’album di debutto.
'Ecco perché i R.E.M. si sono sciolti'
Sì, ma alla fine perché i R.E.M. si sono sciolti? A metà dello scorso settembre, quando la notizia arrivò come un fulmine a ciel sereno, di spiegazione nessuna traccia. "Siamo e rimarremo amici per la vita, ma abbiamo deciso di cessare di esistere come gruppo", si lesse nel comunicato. "Ce ne andiamo con un grande senso di gratitudine e di incredulità per tutto quello che ci è successo. A tutti quanti siano stati toccati dalla nostra musica: grazie per averci ascoltato". Stipe tentò di fornire qualche lume a chi chiedeva motivi specifici: "Insieme siamo stati capaci di costruire qualcosa di straordinario. Noi abbiamo fatto tutto questo, e adesso ce ne stiamo allontanando. Spero che i nostri fan si rendano conto che questa sia stata una decisione tutt'altro che facile. Tutte le cose devono finire, ma l'importante è che finiscano nel modo giusto. E noi vogliamo finire nel modo giusto, il nostro modo", disse. Mike Mills, che - insieme a Stipe e al chitarrista Peter Buck - rappresentava, dopo le dimissioni di Bill Berry nel 1997, il nucleo originale del gruppo di Athens, affermò: "Lavorare sulla nostra musica e sui nostri ricordi di trent'anni è stato un lavoro d'inferno. Le ultime canzoni che abbiamo scritto, quindi, ci sono sembrate l'epilogo naturale della nostra carriera". Tutto molto interessante. Possibile però che uno dei migliori gruppi rock abbia deciso di evaporare così, senza motivi concreti? Torna sull'argomento ancora Mills. Il musicista, riporta Andy Welch del quotidiano "Irish Independent", ha detto: "Siamo troppo ostinati, non facciamo le cose che ci dicono di fare. E' stata una nostra decisione, non ce l'ha imposta nessuno. Se mai fosse sembrato che ci saremmo sciolti per problemi interni, o magari esterni, questo sarebbe stato invece un incentivo per proseguire. La verità è che iniziammo a considerare l'ipotesi durante il tour del 2008, e pensammo che avremmo dovuto prendere una decisione. Tanto di cappello ai Rolling Stones. Sarebbe bello fare rock'n'roll anche a settant'anni come loro, e li applaudo. Però ci sono anche risvolti negativi.
E' che a un certo punto devi fermarti. Nelle nostre vite personali, e l'uno nei confronti dell'altro, siamo tutti felici e contenti. Quindi perché non sottolineare ora tutto questo lavoro fatto, dicendo: basta". L'ultimo album lavorato dalla band è il recente antologico "Part lies, part heart, part truth, part garbage 1982-2011".
George Michael ha la polmonite: è grave
Ricoverato in terapia intensiva
Vienna, 28-11-2011
Resta in ospedale la popstar inglese George Michael e probabilmente non sarà dimesso fino a Natale. L'ex cantante degli Wham!, 48 anni, è ricoverato da martedì scorso alla clinica viennese Akh e i medici parlano di condizioni "gravi". "Le prossime 48 ore sono considerate critiche per la guarigione di George", ha dichiarato ieri un dottore a Vienna.
La star, che doveva esibirsi nella capitale austriaca e che invece ha cancellato le restanti date del suo "Symphonica tour" fino alla fine dell'anno, dorme su un letto speciale, fatto arrivare giovedì, e che - secondo indiscrezioni - viene utilizzato nei casi peggiori di polmonite.
Gli esperti sono convinti che Michael rimarrà fino a Natale in cura, ma le notizie sul suo stato di salute cominciano a scarseggiare, dopo che il manager ha chiesto il silenzio stampa e sottolineato che il cantante ha la polmonite e che ogni altra speculazione è "falsa e infondata".
A fare compagnia a George a Vienna ci sono il fidanzato Fadi Fawaz, l'ex fidanzato Kenny Goss e numerosi familiari, secondo la Bild. Secondo la stampa austriaca, i medici fanno del loro meglio e sono fiduciosi che tornerà presto in salute: "George ride già. Tutti gli fanno i migliori auguri", ha dichiarato alla stampa austriaca Fawaz, che in Austria è nato.
MADONNAGRAPHY: Part 14 "RAY OF LIGHT"
Ray of Light is the seventh studio album by American singer-songwriter Madonna, released on March 3, 1998 by Maverick Records and distributed byWarner Bros. Records. After giving birth to her daughter Lourdes, Madonna collaborated with Patrick Leonard and William Orbit in developing the album. Following failed sessions with other producers, Madonna pursued a new musical direction with Orbit. The album incorporates pop, dance-pop, andelectronic music.[1][2] The recording took place over four months, but experienced problems with the Pro Tools arrangement by Orbit as well as the absence of live bands.
Upon release, the album was lauded by contemporary critics as a masterpiece. Reviewers complimented the album for its mature, restrained nature as well as commending Madonna's musical direction, calling it her "most adventurous" record. Ray of Light won four Grammy Awards from a total of six nominations. Commercially, the album was a success, peaking at number one in numerous countries, including the United Kingdom, Canada, Australia and New Zealand. On the US Billboard 200, the album debuted and peaked at number two. With global sales of 20 million copies, Ray of Light became one of the most commercially successful albums of the
Five singles were released from the album. The first, "Frozen," was an international success, as was the second, "Ray of Light", which won a number of awards for its music video. Madonna has performed songs from the album on all of her world tours since its release. Due to its impact on popular music,Ray of Light has been included on a number of best albums lists, including Rolling Stone magazine's "The 500 Greatest Albums of All Time".
The working title for this album was The Drowned World, inspired by the novel by J. G. Ballard. It was primarily produced by Madonna, William Orbit, andPatrick Leonard. The album featured a new musical direction for Madonna, as well as personal lyrics about motherhood, fame, love and spirituality. Madonna's vocal range spanned through higher notes, because of the choral training she underwent during Evita.[3] Madonna began writing songs with Leonard in 1997, the first time the two had worked together since "I'll Remember", three years earlier[citation needed]. Unlike her previous albums, Leonard's song writing collaborations were accompanied by very little studio input. Madonna believed that Leonard's production "would have lent the songs more of a Peter Gabriel vibe", a sound that she did not want for the album.[4]
Madonna began working on Ray of Light in May 1997, meeting with Kenneth "Babyface" Edmonds, whom she had previously worked with on her 1994 album Bedtime Stories. The two wrote a couple of songs together before Madonna decided the collaborations were not going in the musical direction she wanted for the album. According to Edmonds, the songs "had a 'Take a Bow-ish' kind of vibe, and Madonna didn't want, or need, to repeat herself."[4] After abandoning the songs she had written with Edmonds, Madonna turned to musician Rick Nowels, who had previously co-written songs with Stevie Nicks and Celine Dion. The collaboration produced seven songs in three days, but did not display the album's future electronic musical direction.[5] Instead, Madonna took her collaborations with Nowels and Leonard to British electronic music musician William Orbit. Madonna had been a fan of Orbit's work, and loved the "sort of trancy, ambient quality" he gave to the songs he worked on.[6] She began working with Orbit after he had sent her tapes of musical snippets he was working on, which were usually eight or sixteen-bar phrases and stripped down versions of tracks that would later be heard on the album.[citation needed] Madonna would listen to the samples over and over again until she would be inspired to write lyrics. Once she had an idea about the lyrical direction of the song, she would take her ideas back to Orbit, and they would expand on the original music ideas.[citation needed] "Mer Girl" and "Ray of Light" are the only songs on the album that Madonna did not compose with her collaborators. For "Mer Girl", Madonna wrote only the lyrics, while her creative input to "Ray of Light" was limited to adding/changing a few lyrics.[4]
The album was recorded over four and a half months in Los Angeles, California in 1997, the longest Madonna had ever worked on an album. For most of the recording process, only three other people were in the studio with Madonna: William Orbit, engineer Pat McCarthy, and his assistant engineer, Matt Silva.[4]The recording process was initially plagued with machinery problems, as Orbit preferred to work with samples, synth sounds, and Pro Tools, and not with live musicians. The computers would break down, and recording would have to be delayed until they could be repaired.[citation needed] Orbit recorded the bulk of the album's instrumentation over the four-month period. Orbit recalls playing the guitar and having his fingers bleed during the long hours he spent in the studio.[4] After some errors in her pronunciation of Sanskrit shlokas on Ray of Light, the BBC, London, arranged for Madonna to take telephonic lessons to learn the basic correct pronunciation of Sanskrit words from eminent scholar Dr B P T Vagish Shastri. She then made the necessary pronunciation corrections on the album.
Upon release, the album received positive responses from international music critics. Sal Cinquemani of Slant Magazine described the album as "one of the great pop masterpieces of the '90s" and stated that: "Its lyrics are uncomplicated but its statement is grand" and "Madonna hadn't been this emotionally candid since Like a Prayer".[2] Roni Sarig, in an editorial review for Amazon.com, stated that Ray of Light "is her richest, most accomplished record yet."[14] He was most impressed by Madonna's vocal range, depth, and clarity which had become stronger since her voice lessons for the film Evita (1996). Spin magazine declared Madonna's new album to be her "most radical, mask-free work."[11] Rob Sheffield's review for Rolling Stone was mostly positive, but he did point out the weak aspects of the album. Sheffield called the album "brilliant", but was critical of Orbit's production, stating that he "doesn't know enough tricks to fill a whole CD, so he repeats himself something fierce."[15] Stephen Thomas Erlewine from Allmusic called Ray of Light Madonna's "most adventurous record" and her "most mature and restrained album." In his review he gave the album four out of five stars.[1] David Browne of Entertainment Weekly gave the album an A- stating "For all her grapplings with self-enlightenment, Madonna seems more relaxed and less contrived than she's been in years, from her new Italian earth-mother makeover to, especially, her music. Ray of Light is truly like a prayer, and you know she'll take you there."[8] Writing for Melody Maker in February 1998, Mark Roland drew comparisons with the music of St Etienne and Björk's Homogenic album, highlighting Ray of Light's lack of cynicism as its most positive aspect; "It's not an album turned on the lathe of cynical pop manipulation, rather it's been squished out of a lump of clay on a foot-powered wheel. Lovingly teased into life, "Ray Of Light" is like the ugly mug that doesn't match but is all the more special because of it."[10] Music critic Robert Hilburn from Los Angeles Times wrote, "One reason why her new 'Ray of Light' is the most satisfying album of her career is that it reflects the soul-searching of a woman who is at a point in her life where she can look at herself with surprising candour and prespective."[9] Joan Anderman from The Boston Globe said that Ray of Light is a remarkable album. He stated, "It's a deeply spiritual dance record, ecstatically textured, a sumptuous, serious cycle of songs that goes a long way toward liberating Madonna from a career built on scavenged images and cultivated identities.[16]
Ray of Light was officially released on March 3, 1998. Eighteen days later, Rolling Stone reported that the album has sold over three million copies worldwide.[17] In the United States, Ray of Light debuted at number two on the Billboard 200 albums chart on the issue dated March 21, 1998, selling 371,000 copies in the first week.[18] It was the biggest first-week sales by a female artist in Nielsen SoundScan era, at that time.[18] However, the album was not able to top the soundtrack album of the motion picture Titanic, becoming Madonna's fifth album to peak at the runner-up position.[19] On March 16, 2000, the album was certified four times platinum by the Recording Industry Association of America (RIAA) for shipments of four million units of the album.[20] In Canada, the album debuted at number one on the Canadian Albums Chart and was certified seven times platinum by the Canadian Recording Industry Association (CRIA) for shipment of 700,000 copies.[21][22] The album also debuted at number one in Australia, becoming Madonna's seventh album to reach the top spot.[23] The Australian Recording Industry Association (ARIA) certified it three times platinum denoting shipment of 210,000 copies.[24]
In the United Kingdom, Ray of Light debuted at number one on the UK Albums Chart, remaining in the top spot for two weeks.[25] It was certified six times platinum by the British Phonographic Industry (BPI) for shipment of 1.8 million copies.[26] In France, the album entered the official albums chart at number two, staying there for seven weeks before descending down the chart.[23] It was certified three times platinum by the Syndicat National de l'Édition Phonographique for shipments of 900,000 copies of the album.[27] In Germany, the album reached number one on the Media Control Charts and remained there for seven weeks.[28] It was certified three times platinum for shipment of 1.5 million copies.[29] The album also reached the top of European Top 100 Albums chart[30] and was certified seven times platinum by the International Federation of the Phonographic Industry (IFPI) for shipment of seven million units.[31] Ray of Light achieved similar success in the rest of world, topping the official charts of Belgium, Netherlands, Finland, Hungary, Italy, New Zealand, Norway, Spain and Switzerland.[23][32] It has sold over 20 million copies, becoming one of the most commercially successful albums of the 1990s.[33]
"Frozen", the lead single from the album, became Madonna's eighth number one single on the UK Singles Chart, and reached number two on the US Billboard Hot 100.[34] Co-written by Patrick Leonard, the song featured Madonna's vocals over layers of string arrangements and synthesizers. In 2005, a Belgian court ruled that the opening four-bar theme to the song was plagiarized from the song "Ma vie fout le camp", composed by Salvatore Acquaviva. The ruling forbade the sale of the single and the entire Ray of Light album, as well as other compilations that included the track in Belgium.[35] The second single, "Ray of Light", based on the track "Sepheryn", written by Clive Maldoon & Dave Curtiss (Curtiss Maldoon) in the 70s, was 20 years later reworked by Maldoon's cousin Christine Ann Leach and William Orbit and featured a combination of high-energy techno sounds and electric guitar riffs. It debuted at No. 2 in the UK[36] and was certified Silver.[26] It reached the top 5 in the US,[21] where it received a Gold award.[20] The song was also a dance hit in the US, remaining at number one for four weeks, and became the top Hot Dance Club Play single of 1998.[21] The song was nominated for "Record of the Year" at the 1999 Grammy Awards, but lost to Celine Dion's "My Heart Will Go On."[37]
"Drowned World/Substitute for Love" became the third release outside of North America, and was a top-ten hit in the UK.[36] The music video, directed by Walter Stern, caused controversy due to scenes that featured Madonna being chased by paparazzi on motor-bikes, a scenario similar to Princess Diana's death in 1997.[38] The fourth single, "The Power of Good-Bye", a ballad reflecting on a painful breakup, became a modest chart success, peaking at number six in the UK, and number eleven in the US[21] It was released in the UK with "Little Star", a song about Madonna's daughter, as an AA side. Its music video was directed by Matthew Rolston. "Nothing Really Matters", the fifth and final single release, became a top-ten hit in the UK, reaching number seven.[36] In the US, however, the song became Madonna's lowest-charting single on the Hot 100, although it reached number one on the Hot Dance Club Play chart.[21] Its music video, directed by Johan Renck, was inspired by Arthur Golden's book Memoirs of a Geisha, and featured Madonna dressed as ageisha.[39]
To promote Ray of Light, Madonna made a number of televised appearances and live performances of the album's songs. She appeared on The Oprah Winfrey Show in 1998 and performed "Ray of Light" and "Little Star." Madonna also opened the 41st Grammy Awards in 1999 with the performance of "Nothing Really Matters". At the 1998 MTV Video Music Awards, she performed "Shanti/Ashtangi" and "Ray of Light" with Lenny Kravitz. Madonna then did promotional shows across Europe and also sang "The Power of Good-Bye" at the MTV Europe Music Awards. In New Zealand, a box set of Ray of Light andThe Immaculate Collection was released to accompany the album. It reached number 12 the country's official albums chart and was certified gold by theRecording Industry Association of New Zealand (RIANZ) for shipment of 7,500 copies.[40] In the United States, "Sky Fits Heaven" was released as a promotional single. It received moderate success on the clubs, peaking at number 41 on the Billboard Hot Dance Club Play chart.[41] The supporting tour for the album, Drowned World Tour, was supposed to start in 1999, but was delayed until 2001.[citation needed] In 1999, a promotional instore VHS compilation titled Rays of Light was released in the United Kingdom, compiling all the music videos to all five singles from the album. All five videos were later included on the compilation The Video Collection 93:99 (1999).[42]
Larry Flick from Billboard claimed that the album "not only provided the chameleon-like artist with her first universally applauded critical success, it has also proved that she remains a vital vigure amongst woefully fickle young audiences."[43] The album gave Madonna many awards and honors. In 1999, Ray of Light received a total of six Grammy Awardnominations and won four of them. The album won "Best Pop Vocal Album" and "Best Recording Package", and was nominated for "Album of the Year."[37] In addition, the album's title track won "Best Dance Recording" and "Best Short Form Music Video," and was nominated for "Record of the Year."[37] At the 1998 MTV Video Music Awards, Madonna also won six awards from a total of nine nominations. She also won "Best Album" and "Best Female Artist" at the MTV Europe Music Awards 1998. In 2001, a poll of a quarter of a million music fans on VH1 voted Ray of Light as the tenth of "100 Best Albums of All Time."[44] That year Rolling Stone readers also voted the album as the twenty-ninth best recording ever. Later, the magazine listed Ray of Light at number 28 on the list of "100 Best Albums of the Nineties" and number 363 on the list of "500 Greatest Albums of All Time."[45][46] In 2005, the album was ranked at number 33 on the Q magazine's list of "100 Greatest Albums Ever".[47] The album is also included in the book 1001 Albums You Must Hear Before You Die.[48] Mojo magazine also listed Ray of Light at number 29 on "100 Modern Classics: The Greatest Albums of Our Lifetime".[49]
Come previsto, M.I.A. e Nicki Minaj sul nuovo singolo di Madonna
Le prime voci erano emerse già alla fine dello scorso ottobre. Per "Give me all your love", che ormai quasi sicuramente sarà il primo singolo estratto dal nuovo album diMadonna, era stato sussurrato che avrebbero preso parte come ospiti M.I.A. e Nicki Minaj. La voce ora non è più tale perché, via Twitter, M.I.A.ha confermato d'essere in studio a New York City con Nicki e la Material Mum. La canzone sarebbe stata prodotta da Martin Solveig e per la cantante sarebbe pronto un palcoscenico enorme: quello del Super Bowl. Si dice infatti
che Madge, invitata ad esibirsi il prossimo 5 febbraio al Lucas Oil Stadium di Indianapolis per lo show durante l'intervallo della partita, eseguirà quattro sue canzoni "classiche" più appunto "Give me all your love". L'intervallo del Super Bowl è da sempre negli USA un ambitissimo momento, sia per gli artisti che si esibiscono sia per le aziende che vi piazzano uno spot. Si stima che lo scorso anno, a guardare l'incontro Green Bay Packers contro i Pittsburgh Steelers, vinto dai primi, siano rimasti incollati ai piccoli schermi 111 milioni di persone. Lo scorso anno, rompendo la tradizione del singolo artista, hanno fatto ingresso sul campo Black Eyed Peas, Usher e Slash.
Precedentemente si erano esibiti Who (2010), Bruce Springsteen (2009), Tom Petty (2008), Rolling Stones (2006) e Paul McCartney (2005). Il Super Bowl è l'incontro che assegna il titolo di campione della National Football League (NFL), la lega professionistica statunitense di football americano. Negli USA viene considerato come l'incontro che assegna il titolo di campione del mondo di questo sport ed è, preso singolarmente, l'evento sportivo più importante dell'anno. "Give me all your love" potrebbe essere commercializzato tra febbraio e marzo 2012.
James Franco su Bad Day di dicembre
Bad Day, rivista di arte orgogliosamente divisa tra intellettualismo e cultura pop, dedica la copertina del nuovo numero a James Franco. In uscita l'8 dicembre, il magazine può essere acquistato sul sito officiale (qui).
Dormire aiuta rimozione del dolore
Il sonno, secondo gli studiosi della University of California, aiuterebbe a rimuovere i ricordi dolorosi grazie al progressivo calo delle sostanze chimiche dello stress durante la fase Rem.
L'elaborazione dei ricordi avviene durante il sonno e così molto spesso le situazioni dolorose o difficili tendono ad essere rimosse nella loro parte più acuta.
Il team ha esaminato 35 giovani volontari sani, che hanno visionato 150 immagini ad alto impatto emotivo per due volte, a distanza di 12 ore, mentre uno scanner misurava la loro attività cerebrale.
Metà di loro ha visto le immagini prima al mattino e poi alla sera, il resto prima la sera e poi al mattino del giorno successivo, dopo una notte di sonno.
Quelli che nel mezzo delle due visioni avevano dormito, hanno mostrato una drammatica riduzione della forza della reazione emotiva alle immagini.
Tributo a Dylan con Queens Of The Stone Age, Patti Smith, My Morning Jacket
E' un'opera a dir poco monumentale 'Chimes of Freedom: Songs of Bob Dylan Honoring 50 Years of Amnesty International', mega-compilation di tributo a Bob Dylan che funge anche da celebrazione (e da raccolta fondi) per i 50 anni di Amnesty International. Uscirà il 30 gennaio 2012.
72 le canzoni totali, di cui la title-track nella versione originale di Dylan, più 71 cover eseguite, tra gli altri, da Queens Of The Stone Age, Mariachi El Bronx, Gaslight Anthem, My Morning Jacket, Cage The elephant, Band Of Skulls, Airborne Toxic Event, State Radio, ma anche da gente famosissima come Sting, Mark Knopfler, Patti Smith, Lenny Kravitz, Elvis Costello, l'immancabile Adele, Sinead O'Connor, Maroon 5, Dave Matthews.
Ecco la lunghissima scaletta:
CD1: Raphael Saadiq - 'Leopard-Skin Pill-Box Hat', Patti Smith Drifter's - 'Escape', Rise Against - 'Ballad of Hollis Brown', Tom Morello The Nightwatchman - 'Blind Willie McTell', Pete Townshend - 'Corrina, Corrina', Bettye LaVette - 'Most of the Time', Charlie Winston - 'This Wheel's On Fire', Diana Krall - 'Simple Twist of Fate', Brett Dennen - 'You Ain't Goin' Nowhere', Mariachi El Bronx - 'Love Sick', Ziggy Marley - 'Blowin' in the Wind', The Gaslight Anthem - 'Changing of the Guards', Silversun Pickups - 'Not Dark Yet', My Morning Jacket - 'You're A Big Girl Now', The Airborne Toxic Event - 'Boots of Spanish Leather', Sting - 'Girl from the North Country', Mark Knopfler - 'Restless Farewell'. CD2: Queens Of The Stone Age - 'Outlaw Blues', Lenny Kravitz - 'Rainy Day Woman # 12 & 35', Steve Earle & Lucia Micarelli - 'One More Cup of Coffee' (Valley Below), Blake Mills - 'Heart Of Mine', Miley Cyrus - 'You're Gonna Make Me Lonesome When You Go', Billy Bragg - 'Lay Down Your Weary Tune', Elvis Costello - 'License to Kill', Angelique Kidjo - 'Lay, Lady, Lay', Natasha Bedingfield - 'Ring Them Bells', Jackson Browne - 'Love Minus Zero/No Limit', Joan Baez - 'Seven Curses' (Live), The Belle Brigade - 'No Time To Think', Sugarland - 'Tonight I'll Be Staying Here With You' (Live), Jack's Mannequin - 'Mr. Tambourine Man', Oren Lavie - '4th Time Around', Sussan Deyhim - 'All I Really Want To Do', Adele - 'Make You Feel My Love' (Recorded Live at WXPN). CD3: K'NAAN - 'With God On Our Side', Ximena Sariñana - 'I Want You', Neil Finn with Pajama Club - 'She Belongs to Me', Bryan Ferry - 'Bob Dylan's Dream', Zee Avi - 'Tomorrow Is A Long Time', Carly Simon - 'Just Like a Woman', Flogging Molly - 'The Times They Are A-Changin', Fistful Of Mercy - 'Buckets Of Rain', Joe Perry - 'Man Of Peace', Bad Religion - 'It's All Over Now, Baby Blue', My Chemical Romance - 'Desolation Row' (Live), RedOne featuring Nabil Khayat - 'Knockin' on Heaven's Door', Paul Rodgers & Nils Lofgren - 'Abandoned Love', Darren Criss featuring Chuck Criss and Freelance Whales - 'New Morning', Cage the Elephant - 'The Lonesome Death of Hattie Carroll', Band of Skulls - 'It Ain't Me, Babe', Sinéad O'Connor - 'Property of Jesus', Ed Roland and The Sweet Tea Project - 'Shelter From The Storm', Ke$ha - 'Don't Think Twice, It's All Right', Kronos Quartet - 'Don't Think Twice, It's All Right': CD4: Maroon 5 - 'I Shall Be Released', Carolina Chocolate Drops - 'Political World', Seal & Jeff Beck - 'Like A Rolling Stone', Taj Mahal - 'Bob Dylan's 115th Dream', Dierks Bentley - 'Senor (Tales of Yankee Power)' (Live), Mick Hucknall - 'One Of Us Must Know (Sooner Or Later)', Thea Gilmore - 'I'll Remember You', State Radio - 'John Brown', Dave Matthews Band - 'All Along the Watchtower' (Live), Michael Franti - 'Subterranean Homesick Blues', We Are Augustines - 'Mama, You Been On My Mind', Lucinda Williams - 'Tryin' To Get To Heaven', Kris Kristofferson - 'Quinn The Eskimo (The Mighty Quinn)', Eric Burdon - 'Gotta Serve Somebody', Evan Rachel Wood - 'I'd Have You Anytime', Marianne Faithfull - 'Baby Let Me Follow You Down' (Live), Pete Seeger - 'Forever Young', Bob Dylan - 'Chimes Of Freedom'.
A 20 ANNI DALLA MORTE DI FREDDIE MERCURY, MITO CHE NON TRAMONTA
Sono passati vent'anni dalla morte di Freddie Mercury, ma la stella del cantante dei Queen brilla piu' che mai nell'olimpo del rock internazionale e il gruppo britannico, una delle formazioni che ha venduto piu' dischi nel mondo, ha paradossalmente ottenuto la maggior parte delle vendite dopo la morte della sua inconfondibile voce.
Canzoni come ''Bohemian Rhapsody'' e ''Don't Stop Me Now'', scritte da Mercury, sono ormai entrare nel pantheon del rock e una nuova generazione di artisti come Lady Gaga, Robbie Williams, Foo Fighters e Muse, rivendicano l'influenza dei Queen. Mentre su Freddie e' in preparazione anche un film biografico, con l'attore di ''Borat'', SachaBaron Cohen, nella parte del protagonista, la morte del frontman dei Queen ''sembra essere stata solo una tappa della sua carriera'', ha scritto in questi giorni il quotidiano The Independent.
Nato nel 1946 da una famiglia di origine indiana, che viveva sull'isola di Zanzibar, Freddie, il cui vero nome era Farrokh Bulsara, si era trasferito a Londra negli anni sessanta e insieme a Brian May e Roger Taylor fondo' i Queen nel 1970. In bilico fra travestitismo glam, hard-rock, pop sinfonico e disco-music, il gruppo fini' con il cavalcare un po' tutte le correnti musicali dell'epoca, raggiungendo il successo, ma mai come avrebbe fatto dopo la morte del suo leader. Omosessuale dichiarato, si ammalo' di Hiv e smise di esibirsi a partire dal 1987, ma confesso' la sua malattia solo poche ore prima di morire, diffondendo un comunicato alla stampa. Si spense a Londra il 24 novembre del 1991, in seguito alle complicazioni di una broncopolmonite, dovuta all'Aids conclamato e il suo caso fu uno di quelli che in quegli anni contribuirono a una presa di coscienza collettiva nei confronti di quella terribile malattia.
In un'intervista del 1987, del resto, aveva detto chiaramente di non aver alcuna intenzione di diventare un vecchio ricco e solitario: ''Ho vissuto pienamente la mia vita e se muoio domani, non mi importa. Ho fatto tutto quello che dovevo fare''. Meno brillante la figura fatta dai suoi compagni di band, che hanno cercato di cavalcare l'onda commerciale delle prematura scomparsa di Freddie. May e Taylor, insieme al cantante Paul Rodgers, hanno riportato in vita i Queen, con una lunga tournee in Europa da tutto esaurito e un nuovo album assolutamente dimenticabile.
Swanlights. Videoclip di Antony and The Johnsons diretto da Sara Hegarty
Più che una storia, la rappresentazione di un’emozione. Una bambina in camicia da notte danza nella nebbia. Forse si ricorda di quando danzava. Forse sogna di danzare, immersa in una luce lattiginosa. È una visione cangiante, dal seppia del passato remoto al bianco profondo del non ancora nato, fino ai blu e ai verdi di una campagna notturna.
E così la ritroviamo in lacrime, la stessa bambina, sperduta nel buio, mentre corre tra l’erba alta. Che stia fuggendo da qualcosa, da qualcuno?
Con pochi elementi la regista Sara Hegarty (sorella di Antony) costruisce un climax non solo emozionale, ma soprattutto narrativo. Vero e proprio incipit, della miglior specie tra l’altro. Non stupisca dunque di scoprire che le immagini del videoclip sono anche (e soprattutto) un estratto dal film The Last Hymn, ancora in fase di produzione.
Swanlights è un brano impalpabile, inquieto, misterioso, sinistro. Diviso nettamente in due parti, una prima costruita sulla tensione e una seconda sul rilascio, trova la sua incompiuta quadratura in immagini che, pur nella loro ambiguità, vibrano insieme alla musica. Lo si intuisce già nei primi secondi, quando al reverse sonoro scopriamo corrispondere ora l’inversione, ora la trasfigurazione della visione, tanto nella luce quanto nei movimenti.
Il montaggio ruota sempre intorno alla figura della ragazzina, restituendo una visione psicologica ed emozionale della sua come della nostra percezione, mentre il rallentatore, leggero e costante, trasmette oppressione e affanno simili a quelli dei sogni in cui una strana forza impedisce di compiere anche il gesto più semplice. A caratterizzare la lunga introduzione sono le consuete tessiture vocali di Antony, qui particolarmente sospese, febbrili, e una sorta di bordone di chitarra ottenuto con l’uso combinato di effetti (probabilmente distorsione, tremolo e delay).
Tanto il brano quanto il videoclip vogliono condurre in qualche luogo: lo stesso dove è diretta la bambina, la quale appare sempre più sola, spaurita, come intrappolata in una favola oscura; qualcosa che inevitabilmente riconduciamo alla violenza e all’abuso, senza che ciò sia mai rilevato sullo schermo, rappresentando con l’assenza un terribile silenzio.
E poi, finalmente, il lago. Dapprima anticipato da lievi, nere, reiterate increspature. Tuffarsi è atto liberatorio, l’immersione è l’unica scelta disponibile. La musica si apre, risolve in un arpeggio melodioso di piano, mentre la bambina attraversa la materia acquosa. Alcuni uomini la cercano. Il dettaglio delle lanterne e dei costumi ci sospinge indietro, in un ipotetico XIX secolo. La bambina si è persa. La stanno cercando. Ma vogliono prenderla o trovarla?
Nella poetica di Antony, luoghi fantastici e fascinazioni atemporali rimandano sempre e comunque a un profondo disagio esistenziale. I suoi protagonisti sono poetici e sofferenti, (r)esistono in un dormiveglia che possa proteggerli dalle sofferenze della realtà. Qui il messaggio non è esattamente chiaro, ma d’altronde non lo è quasi mai. Questa immagine così pregna e sfuggente, “swanlights” appunto, è un qualcosa che ha a che fare con la natura e con la vita, con quel fascino incomprensibile della sofferenza più dolce verso cui il mondo di Antony and The Johnsons non smette mai di guardare.
Adesso non resta che aspettare il lungometraggio.
Ad un passo da Madonna
Vento in poppa per l'estate fiorentina. Che, essendo quella del 2012, anno vespucciano, pare benedetta dallo stesso refolo che gonfiava le vele del buon Amerigo verso le Americhe. E che, se tutto andrà nel verso giusto, spirerà nel senso contrario portando a Firenze vere star di Oltreoceano. Candidandola a capitale italiana dell'estate live. Dopo l'annuncio ufficiale del ritorno del Boss Bruce Springsteen (il 10 giugno al Franchi) rumors sempre più forti parlano di una riapparizione clamorosa: Firenze sembra infatti proprio ad un passo dall'agguantare Madonna. Che, nel nuovo tour in occasione dell'uscita dell'ultimo album, dovrebbe esibirsi a Milano il 14 giugno e al Franchi, magari subito dopo il Boss. E prima dei Radiohead, che suonano il primo luglio alle Cascine.
Niente è ufficialmente confermato, ma i fan sono già in fermento. Venticinque anni dopo tornerebbe così al Franchi la signora Ciccone, più diva e raffinata coi suoi 54 anni difesi a suon di palestra e fitness, certo molto più cool di quella ragazza dal look leggermente tamarro, inguainata nei puntuti reggiseni che Jean Paul Gautier le cuciva addosso, ma vero mito intercontinentale, che faceva impazzire le folle col suo «Who's That Girl Tour». A Firenze il 6 settembre dell'87 accorsero in 60 mila, un record dopo il concerto di Patti Smith del '79. Venticinque anni, una vita fa, Madonna era allora la signora Penn (ma lui, povero, già si sentiva troppo «signor Ciccone»). La divina scese a Villa La Massa, blindatissima, fece jogging intorno a Bellariva (pare finendo a faccia in giù in una pozzanghera, la tradizione dei marciapiedi fiorentini non fa sconti a nessuno), e quelle centinaia di ragazzini che le sciamavano dietro in motorino sul Lungarno, saranno ormai uomini fatti. Nell'occasione ci fu pure Zeffirelli che la scortò a cena da Bona Frescobaldi. Chissà cosa ci porterà, se davvero tornerà nel capoluogo toscano. Perché lei è forse ancora più diva, sempre gli occhi del mondo incollati addosso.
Ma la nostra giunta giovane e giovanile e soprattutto i nostri promoter pare abbiano in serbo altre sorprese. Come Paolo Conte in concerto con l'Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino. Che sia l'occasione per un'inaugurazione in grande stile della bellissima cavea all'aperto nel Nuovo Parco della musica? Dall'Inghilterra dovrebbe invece atterrare alle Cascine Florence and the Machine. Un nome e un destino, visto che lei, la rossa Florence Leontine Mary Welch, è stata battezzata così dalla madre proprio per il grande amore per Firenze. Come da radicata tradizione britannica.
Concerti, Lollapalooza in Sudamerica nel 2012: live di Foo Fighters e Bjork
Benché geograficamente lontanissimo dallo Stivale, il calendario dei grandi raduni rock all'aperto sudamericano potrebbe rappresentare una plausibile anticipazione dei nomi che - nel corso della prossima bella stagione - appariranno nei cartelloni dei "nostri" prossimi festival estivi. E' quindi da osservare con curiosità il cartellone delle edizioni brasiliane e cilene delLollapalooza, format live ideato da Perry Farrell dei Jane's Addiction ultimamente esportato anche fuori dai confini degli Stati Uniti. Le tappe nei Paesi latini - ovviamente programmate nella prima metà di aprile per ragioni climatiche (nel dettaglio, dal 31 marzo al primo aprile all'O’Higgins Park di Santiago del Cile e tra il 7 e l'8 aprile al Jockey Club di San Paolo, in Brasile) - vedono nel bill, tra gli altri (e oltre agli stessi Jane's Addiction), Foo Fighters, Arctic Monkeys e Björk, oltre che a nomi come MGMT,TV on the Radio, Band of Horses, Peaches, Pretty Lights, Crystal Method, Friendly Fires, Calvin Harris, Gogol Bordello, Foster the People, Skrillex, Bassnectar, Thievery Corporation e Joan Jett con i Blackhearts.
Il festival Lollapalooza debuttò nel 1991 ed ebbe - tra gli headliner della prima edizione - Jane's Addiction, Nine Inch Nails, e Nine Inch Nails: dopo l'era d'oro a metà degli anni Novanta, quando sulle proprie assi transitarono band del calibro di Smashing Pumpkins, Beastie Boys, Primus, Alice in Chains, Rage Against e molti altri, la kermesse chiuse i battenti nel 1998, per poi riaprirli prima nel 2003 e poi - stabilmente - dal 2005 in poi.
Arte: e' morto Gerald Laing, l'artista Pop di Amy Winehouse
Londra, 23 nov. - (Adnkronos) - L'artista britannico Gerald Laing, esponente della Pop Art autore di famosi dipinti dedicati alle attrici Brigitte Bardot e Anna Karina e piu' recentemente alla cantante Amy Winehouse, e' morto all'eta' di 75 anni in un castello sulla Black Isle, vicino a Inverness, in Scozia. L'annuncio della scomparsa e' stato dato dalla Bbc, precisando che l'artista era da tempo malato di un tumore.
Laing ha vissuto gran parte degli anni Sessanta a New york, frequentando gli ambienti della Pop Art e diventando amico di famosi artisti come Andy Warhol e Roy Lichtenstein. Nello scorso mese di ottobre Laing ha allestito una mostra di dipinti e disegni dedicati a Winehouse, dove spicca il quadro ''The Kiss'', dove la cantante e' ritratta con il marito Blake Fielder-Civil, in un'immagine ispirata e ben riuscita definita ormai "icona" della Pop Art.
Laing e' stato anche uno scultore e in quest'ambito e' particolarmente famoso per aver realizzato la statua di Sherlock Holmes a Edimburgo. Ha realizzato anche la monumentale staua Four Rugby Players al Twickenham Stadium.
Alanis Morissette, nuovo album in preparazione
La cantautrice di origini canadesi, Alanis Morissette, sta lavorando per il suonuovo album in studio. La cantante ha rivelato di aver scritto oltre 30 canzoni per questo nuovo lavoro che, molto probabilmente, vedrà la luce la prossima estate.
Intervenuta agli American Music Awards 2011, Alanis ha rilasciato le seguentidichiarazioni:
"Dovrò scegliere le 12/14 canzoni finali. Sono rimasta profondamente colpita dalla maternità ma non sarà un disco di ninne nanne."
Alanis, in un messaggio rilasciato il mese scorso, ha rivelato di essere entrata in studio e di aver cominciato a scrivere molte canzoni di getto.
L’ultimo album di Alanis Morissette, dal titolo Flavours of Entanglement, risale al 2008.
Madonna veste… napoletano
Ago e forbici napoletane per Madonna. Ebbene sì, la pop star è entusiasta di uno stilista partenopeo al quale ha chiesto anche di crearle i vestiti per un servizio fotografico sul numero di dicembre di Harper’s Bazaar Usa, la bibbia della moda. Si tratta di Francesco Scognamiglio, talento giovane e visionario, che su Twitter ha manifestato tutta la sua gioia: «Mi sa che dovrò iniziare a tirarmela un po’», scherza Scognamiglio che al momento è l’unico stilista che ha fatto indossare a Lady Ciccone abiti made in Naples.
NON SOLO MADONNA – Madonna ha scoperto Francesco qualche anno fa grazie alla sua stylist Arianne Phillips. Da allora non lo ha mollato più. Per la copertina di Harper’s Bazar Usa (nonché su quella di Harper’s Bazar Ukraine) la material girl della canzone è in posa con la protagonista del suo nuovo film, W.E. Andrea Riseborough, giovane attrice inglese.
Buon compleanno Vincent Cassel
23 novembre - Buon compleanno Vincent Cassel! Vincent Cassel èconsiderato un sex symbol anche se non è un bello nel senso più classico del termine! D’altra parte, a conferma di ciò è sposato con la splendida attrice italiana naturalizzata francese, Monica Bellucci.Vincent nasce a Parigi il 23 novembre 1966 da un padre attore molto noto negli anni ’50.
Cresce nel quartiere di Montmartre. A diciassette anni si iscrive a una scuola circense e nel 1986 si diploma all’Actor Institute of New York. Esordisce in teatro per poi passare al cinema nel 1989 con “Les cicognes n’en font qu’à leur tête”. Nel 1993 è nel cast dell’opera prima di Mathieu Kassowitz “Métisse”, con cui creerà un sodalizio artistico.
Nel 1995 è diretto da James Ivory nel non riuscitissimo “Jefferson in Paris”.
Lo sconvolgente “L’odio” (1995), di Kassowitz, lo consacra personaggio bello e maledetto. In un girato in bianco e nero, Vincent è l’ebreo Vinz che insieme a due amici combatte la polizia. La pellicola è un pugno nello stomaco ed è premiata a Cannes per la Miglior Regia, oltre a prendere tre Cèsar.
Nel 1996, sul set de “L’Appartamento” avviene l’incontro conMonica Bellucci allora ai suoi esordi. E’ un colpo difulmine, i due si sposeranno nel 1999 e la bella attrice italiana seguirà il suo compagno in Francia. La coppia sarà tale nella vita e nel lavoro. Insieme gireranno diverse pellicole, tra queste: “Come mi vuoi” (1997), di Carmine Amoroso; “Dobermann” (1997), di Jan Kounen, una sorta di videogame di ultraviolenza; il thriller gotico “Il patto dei lupi” (2001), di Christophe Gans e il criticatissimo “Irréversible” (2002). Quest’ultimo, diretto da Gaspar Noé è il film scandalo del Festival di Cannes 2002 per la lunga scena estremamente veritiera di stupro subito dalla bella Monica.
Nel 1999, Vincent è presente nel kolossal di Luc Besson “Giovanna d’Arco”, non particolarmente riuscito nonostante il cast stellare. E’ ancora Kassowitz a regalargli un bellissimo ruolo nel noir “I fiumi di porpora”, nel 2000, accanto a Jean Reno. In questo lavoro ha una piccola parte anche il padre di Vincent e in una scena particolarmente cruda il marito della Bellucci si spacca il naso. Oramai è una star anche negli Usa, infatti è un farabutto russo in “Birthday girl” con Nicole Kidman nel 2001, cui seguirà nel 2004 “Ocean’s Twelve”, di Steven Soderbergh.
Lo stesso anno diventa papà della piccola Deva. E dopo tanti film tragici con Monica Bellucci, nel 2004 sono ancora insieme sul set nella spy story “Agents Secrets” e nel 2006 in “Sheitan”, di Kim Chapiron, dove la sua compagna appare nei panni di una sexy vampira. Nel 2007, Vincent è il mafioso russo Kirill ne “La promessa dell’assassino”, del canadese David Cronenberg, accanto al bellissimo Viggo Mortensen. Ha poi interpretato il gangster più famoso di Francia, il "nemico pubblico n.1" Jacques Mesrine, ucciso in uno scontro di polizia nel 1979 in una storia divisa in due parti intitolate: “L’istinto di morte” (2008) e “L'ora della fuga” (2008), diretto da Jean François Richet. Nel 2010 recita in "Black Swan" di Darren Aronofsky con Natalie Portman eMila Kunis, e nella pellicola di Romain Gavras "Notre jour viendra". Nel frattempo, anche se per i rispettivi impegni di lavoro non stanno sempre insieme, l’unione di Vinz e Monica va a gonfie vele e lui si definisce oltre che molto geloso “molto più fragile di quanto voglia apparire”.
Meryl Streep troppo caricaturale, gli amici della Thatcher insorgono
Non c'erano dubbi sul fatto che il biopic su Margaret Thatcher scatenasse qualche polemica, anche se di certo non ci si aspettava che le critiche partissero ancor prima che la pellicola arrivasse nelle sale.
La data di uscita di 'The Iron Lady' è infatti il 16 dicembre negli USA e il 6 gennaio 2012 nel Regno Unito, ma una cerchia ristretta di persone ha già avuto modo di vedereMeryl Streep nei panni dell'ex Primo Ministro britannico e non ha parlato molto bene del lavoro dell'attrice e della registaPhyllida Lloyd.
L'opinione più diffusa è che l'interpretazione dell'attrice americana sia troppo 'caricaturale': "Nella mia esperienza, non ho mai visto Margaret Thatcher come la donna isterica, super-emotiva, super-teatrale descritta da Meryl Streep" scrive sul 'Telegraph of London' Norman Tebbit, ex membro del Parlamento britannico, dopo aver visto alcune immagini del film.
"Non so con chi abbiano parlato coloro che hanno fatto il film di Meryl Streep" continua Tebbit, "forse con Michael Heseltine o Geoffrey Howe, ma di sicuro non con me". Sia Heseltine che Howe sono stati al fianco della Thatcher in politica (in momenti diversi), e quindi quella di Tebbit è una chiara provocazione, che riassume in breve l'immagine distorta data dal film della politica britannica.
Anche Tim Bell, uno dei principali portavoce della Thatcher, ha mostrato tutto il proprio malcontento per la pellicola in un'intervista rilasciata al 'Telegraph': "Non capisco il senso di questo film. Il suo unico valore è quello di far fare un po' di soldi a Meryl Streep e a chiunque abbia scritto la sceneggiatura. Non ho alcun interesse a vederlo. Non ho bisogno di un film che mi ricordi le mie esperienze con lei. È un non-evento. Non farà alcuna differenza per il suo posto nella storia o in ciò che ha fatto".
È un vero peccato che la classe dirigente inglese, o quantomeno alcuni esponenti politici britannici, abbiano mostrato questa ostilità nei confronti della pellicola, soprattutto considerando l'entusiasmo con cui la Streep si era avvicinata al ruolo: "Era uno di quei rari, rari film per i quali sono grata di essere un'attrice" aveva dichiarato Meryl al 'Daily Mail', "non esiste una gioia più grande". Forse, dopo l'uscita della pellicola, qualcuno cambierà idea?
Sanremo 2012: Morandi vuole Madonna sul palco dell’Ariston
Madonna potrebbe essere sul palco del prossimo Festival di Sanremo, presentato da Gianni Morandi. La cantante potrebbe promuovere il suo ultimo cd
Ci vogliono ancora diversi mesi, prima che si cominci a parlare seriamente di Festival diSanremo. Comunque l’anticipazione che da qualche ora circola sul web è davvero interessante. Infatti a quanto pare il presentatore della kermesse canora Gianni Morandi e il direttore artistico Gianmarco Mazzi avrebbero intenzione di riportare a Sanremo l’indiscussa regina del pop: Madonna. La signora Ciccone infatti ha ormai annunciato da qualche tempo cheil suo nuovo cd sarà pronto per la primavera del 2012, con il primo singolo, che come di consueto anticipa l’uscita nei negozi di dischi dell’album, pronto per le radio a partire da febbraio. Insomma Morandi e Mazzi avranno pensato che per far rialzare gli ascolti di un Festival di Sanremo che ogni anno registra il segno meno rispetto alle precedenti edizioni, sarebbe perfetto poter avere Madonna come ospite internazionale.
Non è la prima volta che Madonna calca il palcoscenico dell’Ariston, la prima volta fu nel 1995 cantò "Take A Bow" e nel 1998 cantò “Frozen”. Sembra dunque che si possa concretizzare per tutti i fan della cantante, la possibilità di vederla sul piccolo schermo della tv italiana. Del resto Madonna ama l’Italia e lo ha sempre dimostrato, ad esempio, quando quest’anno ha scelto il Festival Internazionale del Cinema di Venezia per presentare il suo secondo film da regista, “W.E.”. E proprio a proposito del film, Madonna potrebbe fare una doppia sponsorizzazione dal palco dell’Ariston: cantare la sua nuova canzone e promuovere il suo album, ma anche parlare proprio di “W.E.”, che dovrebbe uscire nelle sale italiane tra febbraio e marzo, distribuito dalla Archibald Film.
Amy Winehouse nell’ultima puntata di Delitti Rock
“Delitti Rock” è giunto a conclusione, il programma condotto da Massimo Ghini concluderà la stagione con una puntata dedicata alla figura di Amy Winehouse, la cantante scomparsa lo scorso 23 luglio. In onda su Rai 2 alle 23.25 mercoledì sera, “Delitti rock” si conclude col botto, raccontandoci la vita di una delle più importanti icone musicali degli ultimi anni.
Amy Winehouse è entrata a far parte del leggendario club 27: scomparsa all’età di 27 anni, la cantautrice britannica ci ha lasciato un’importante eredità. Considerata una vera e propria rivoluzione in ambito musicale, Amy è stata capita dai più quando era ormai troppo tardi. Il suo talento è stato accantonato per il gossip, per le sue serate ad alto tasso alcolico, le immagini in cui la vedevamo sciatta e barcollante su tacchi vertiginosi, con un’acconciatura che non le era di certo d’aiuto.
Massimo Ghini ci introduce nel mondo di Amy, ripercorrendo le ultime ore della sua vita. Dopo aver salutato la madre Janis, dicendole “I love you mum”, la cantante ha fatto ritorno nella sua casa di Camden Square, con il suo immancabile body guard Andrew Morris, che lavora per la Island Records, e che ha trovato Amy priva di vita nella sua stanza, il giorno successivo.
Contribuiranno alla ricostruzione della vita e delle ultime ore della Winehouse, alcuni dei personaggi che le ruotavano attorno: il parrucchiere Alex Folden, autore dell’inconfondibile acconciatura della cantante; Nick Johnston, giornalista ed autore di “Amy, Amy, Amy”, la prima biografia dedicata alla protagonista dell’ultimo episodio di “Delitti Rock”, intitolato “Amy Winehouse – La ragazza che è morta tre volte“. A parlare anche Lucy O’Brien, giornalista esperta di musica femminile che aveva conosciuto al Winehouse; MissinCat, che risponde al nome di Caterina Barbieri, la cantautrice milanese che ha aperto i concerti di Amy durante il tour tedesco del 2007. In più ci sarà il Dr. Giorgio Cerizza, psichiatra esperto in tossicodipendenze. Ad uccidere Amy, infatti, sarebbestato proprio questo: la cantante dipendeva completamente dalla bottiglia e negli ultimi tempi i medici erano molto allarmati sul suo stato di salute, tanto da averle dato un ultimatum. Se non avesse smesso di bere, Amy sarebbe morta. La giovane artista ce l’aveva messa tutta, aveva fatto progressi lasciandosi alle spalle le droghe, ma con l’alcol l’impresa sembrava quasi impossibile, tanto che a stroncarla potrebbe essere stata una terribile crisi di astinenza.
L’appuntamento con “Delitti Rock” è per mercoledì in seconda serata, vi lasciamo con uno dei pezzi più celebri diAmy Winehouse per omaggiarla anche noi, a modo nostro.
Chris Evans al posto di James Franco in 'The Iceman'
(Adnkronos/Cinematografo.it) - Fuori James Franco, dentro Chris Evans: si cambia in 'The Iceman', biopic sul famigerato Richard ''The Iceman'' Kuklinski, l'uomo che per tutti era stato un rispettabile padre di famiglia e invece, come venne appurato, si rivelo' uno dei killer piu' spietati della mafia.
Evans, come riporta Deadline, interpretera' il ruolo del mentore di Kuklinski, Robert Pronge, in un primo momento affidato a James Franco. Nella parte del protagonista Michael Shannon. Il nomignolo di "The Iceman" gli venne affibbiato per l'abitudine di congelare il corpo delle sue vittime, in modo da nascondere l'ora del decesso e mettere fuori strada la polizia. Kuklisnki, creduto un uomo d'affari dalla famiglia e dai vicini, uccise piu' di un centinaio di persone senza mai mostrare rimorso.
La cosa che l'avrebbe addolorato di piu' alla fine, come lui stesso dichiaro', fu la delusione inferta alla famiglia. Nel cast del film, diretto Ariel Vromen, ci saranno anche Ray Liotta, Maggie Gyllenhaal e David Schwimmer (il Ross di 'Friends'). 'The Iceman' e' solo uno dei due progetti attualmente in preparazione sulla figura di Kuklinski. Un altro avrebbe tra gli interpreti Mickey Rourke.
Madonna passa a Universal Music
Il passaggio di Madonna a Universal Music è dato per certo. L’artista, che al momento è legata da un contratto ‘globale’ con Live Nation siglato nell’ottobre 2007 (all’epoca Madonna doveva a Warner Music, la major con la quale ha sviluppato la sua carriera, un ultimo album e un ‘greatest hits’), pubblicherà il suo prossimo album nella primavera del 2012 con la casa discografica di Vivendi, uscendo su label diverse a seconda dei mercati (Interscope Records in U.S.A. e Polydor in Francia sono date come sicure). Che Madonna non avrebbe rinnovato con Warner era un dato sostanzialmente acclarato; la svolta su Universal è stata favorita dal recente accordo che ha visto Front Line Management (che appartiene a Live Nation) e Universal formare una partnership tesa a sfruttare il marchio-artista a 360°. I termini economici dell’accordo Madonna-Universal non sono noti, ma tecnicamente la label agirà sulla distribuzione e sul marketing discografico. Il contratto di Madonna con Live Nation vale 120 milioni di dollari e prevedeva un bonus alla firma di 18 milioni di dollari, cui dovrebbero sommarsi 17 milioni di dollari come anticipo per ognuno dei tre album dovuti dall’artista, con un compenso in parte in azioni (Live Nation, come è noto, si è poi fusa con TicketMaster). Madonna – che sarà l’ospite musicale del prossimo Superbowl a febbraio – sta tuttora assemblando il nuovo album, lavorando con produttori da Martin Solveig a William Orbit; recentemente il leak del singolo "Give me all your love" ha impresso una discreta spinta promozionale all’operazione, avvalorando l’ipotesi che la fuoriuscita sia stata pilotata nell’ambito di una articolata strategia di buzz marketing.
Franco/Carter: l'intervista di THE BELIEVER tradotta in esclusiva per JAMES FRANCO ITALIA
JAMES FRANCO
[ARTISTA/ATTORE/SCRITTORE]
CONVERSAZIONE CON
CARTER
[ARTISTA]
“PENSO CHE CI SIA SEMPRE STATO QUESTO UNICO LUNGO FILO ROSSO A COLLEGARE I MIEI LAVORI, CHE SI TRATTASSE DI PITTURA, DISEGNO, FILM O SCULTURA. TUTTO E’ STRETTAMENTE CORRELATO”
Nuova interpretazione di Three’s Company
Una camera focalizzata su un unico personaggio
Una camera che gira tutt’intorno alla location
Una camera che si sofferma su strane inquadrature del cinto pelvico
Carter è il mio doppio. Qualsiasi cosa io stia pensando, anche Carter l’ha pensata. È un grande collaboratore perché non litighiamo mai; ognuno si interessa alle idee dell’altro. Ci siamo incontrati alla fine del 2007 e abbiamo fatto un film a Parigi, Erased James Franco. Io interpretavo James Franco. Abbiamo lavorato a un altro progetto con manichini, baffi e motociclette chiamato Double Third Portrait. Abbiamo scritto e creato disegni per un libro per bambini chiamato Hellish. È stato lui che mi ha fatto pensare a una partecipazione a General Hospital; ed è stato lui che mi ha dato l’idea di reinventare Three’s Company in chiave drammatica. Abbiamo fatto un altro film insieme, Maladies, che parla di noi; Catherine Keener interpreta lui. In Maladies i due protagonisti fanno un patto: se uno dei due muore, l’altro dovrà completare il suo lavoro. Io sarei onorato di stringere un tale patto con Carter, perché lui mi capisce di più della maggior parte delle persone che conosco. Mi ha insegnato quasi tutto quello che so sull’arte. Ora stiamo lavorando ad un libro di poesie.
—James Franco
Passo molto tempo da solo, lavoro nel mio studio, con una radio e nient’altro – faccio arte. Non avevo molta esperienza, né interesse nella collaborazione in campo creativo, fino a quando ho iniziato a lavorare con James. Apprezzo il suo entusiasmo e la sua voglia di lavorare a tante cose allo stesso tempo, 24 ore su 24. È un’ispirazione ed è positivo. Arte e ancora arte. Lavorare con James sulla creatività continua a essere un’esperienza speciale per me. Ho provato a “cancellarlo”, ma a quanto pare ho usato il lato sbagliato della matita. Però continuo a provarci.
—Carter
Ho incontrato James Franco e Carter nella stanza 407 del Bowery Hotel, a Manhattan. Dicono che l’edificio sia stregato e, durante la conversazione, abbiamo utilizzato una Tavola Ouija per contattare degli spiriti far loro rispondere a domande della nostra intervista. Abbiamo indossato un abbigliamento formale, parrucche e occhiali da sole. Le tende erano tirate per una buia seduta spiritica.
—Ross Simonini
I. “IO SARO' LA TUA MAMMA”
THE BELIEVER: Stavo parlando con uno dei fattorini riguardo alle esperienze di alcuni ospiti dell’hotel, e mi ha parlato delle registrazioni di telecamere in cui c’erano oggetti che si muovevano da soli.
JAMES FRANCO: Oh sì.
CARTER: Camere di sorveglianza?
BLVR: Camere di sorveglianza.
JF: Ecco, devo dire che, mentre ero qui, per gli incontri con la stampa in occasione dell’uscita di Pineapple Express, stavo bene, ma poi entrai nella stanza e – non venisti a trovarmi? Era quella la notte!
C: Sì eravamo lì, all’angolo.
JF: Mi sentivo così depresso quella notte. Stava andando tutto bene -
C: E poi sono apparso io. [Ride]
JF: No, ma poi, quando te ne sei andato, mi sono sentito così male – al punto che chiamai Seth Rogen, e io non lo chiamo mai. Non mi rispondeva, e io stavo chiamando per un supporto, o non lo so, perché stavo veramente male. “Che sta succedendo?” Poi la mattina dopo scesi e chiesi “Si è mai lamentato nessuno sul fatto che questo posto sia stregato?” E io non sono nemmeno il tipo da credere a certe cose, ma quella mattina ero proprio convinto che il posto fosse infestato. E loro mi dissero, “Sì, c’è un cimitero sul retro.” L’hotel fu costruito su uno dei più antichi cimiteri di Manhattan.
C: Suona come se fossi posseduto.
JF: Ho anche un’altra storia di hotel infestati. Tu ne hai?
C: Non ho storie di hotel infestati, però, quando ero piccolo, scomparvi per qualche ora, e i miei erano terrorizzati. Era estate, e io uscii di casa – dovevo avere sette o otto anni – ero nel cortile, e mi ricordo che ero molto stanco. Non ho mai fatto sonnellini pomeridiani in vita mia, ma per qualche motivo, mi addormentai nel prato intorno a casa. I miei genitori mi cercarono per tre o quattro ore. Poi mi svegliai, ed ero proprio lì, vidi mia mamma che piangeva e mi disse, “Ma dove sei stato? Ti abbiamo cercato dappertutto!” E io dissi, “Ma ero qui.” Sono stato lì tutto il tempo. A quanto pare non riuscivano a trovarmi. È come se fossi mancato per un po’.
JF: Dove eri andato?
C: Non lo so. Magari lo sapessi!
BLVR: Chiediamo alla Tavola Ouija.
JF: E’ questo che chiederemo? Faremo la domanda alla tavola?
BLVR: Sì. Dov’eri andato?
JF: Ok. Allora, come si fa?
BLVR: Dice che devi fare la domanda molto chiaramente.
C: Ok, glielo chiederò molto chiaramente.
C: Allora, mettete le mani lì.
JF: Tutte e due o una sola?
C: Tutte e due.
BLVR: Credo entrambe, sì. Fatemi accendere una di queste – [Accende una candela]
JF: Ok, la faccio io la domanda. Dov’è andato Carter nel 1978 in quelle ore di quel pomeriggio? [Fa una pausa, poi sussurra] E ora che facciamo?
BLVR: Dobbiamo aspettare qualche minuto.
C: [Sussurrando] Sì, ma se la tocchiamo con tanta forza…
JF: [Sussurrando] Dobbiamo toccarla con delicatezza?
BLVR: [Sussurrando] Magari prima facciamole una domanda a cui risponderà con SI o NO.
C: C’è nessuno che ci può rispondere? Sì o no?
JF: [Sussurrando] Ma lo stiamo facendo correttamente? Perché la tavola si muove.
C: Oddio, si muove.
JF: La tavola si muove. Lo stiamo facendo bene?
C: No, la tavola si muove.
JF: Penso che dobbiamo bloccarla giù.
BLVR: Eh sì, avete del nastro?
C: Non stai premendo, vero? Perché se ci metti troppo peso, poi scivola.
BLVR: Devi essere molto delicato, credo.
JF: Mettici un po’ di carta igienica sotto, ok?
BLVR: Così sarà disgustosa!
C: Ok, proviamoci.
JF: Ma dobbiamo usare un solo dito?
BLVR: Credo che ognuno ne debba usare due.
JF: Ma ci sono le istruzioni? Qualcuno legga le istruzioni!
C: Io credo che bisogni fare ciò che si sente di fare.
BLVR: [Ride] C’è scritto così nelle istruzioni.
C: Ok. C’è nessuno che possa rispondere alle nostre domande?
JF: E poi la tocchiamo con molta leggerezza.
BLVR: Non credo che funzioni…
C: W?
JF: W. E.
BLVR: C’è una E?
C: H?
JF: H.
C: WEHS.
BLVR: U.
C: WEHSU. Ok, fai una domanda a Wehsu.
JF: Wehsu sta ascoltando. Va bene, rifaccio quella domanda e poi passiamo ad altro. Dove era andato Carter quando era piccolo in quel cortile nella metà degli anni ’70?
JF: I.
JF: B.
JF: R.
JF: Porca vacca. M. IBRM?
BLVR: [Sempre muovendosi] IBRMUM.
JF: Sarò la tua mamma! (I=I B=be R=your MUM=mum - ndJFI)
BLVR: Significa niente per te?
C: No.
II. MOLTO NOIOSO E CONCETTUALE
BLVR: Allora, qual era l’altra esperienza dell’hotel infestato?
JF: Ok, allora, mi stavo preparando per un film a New Orleans. Nicholas Cage era il regista, il film era Sonny. Ed eravamo lì a prepararci. Non avevamo ancora iniziato a girare. Nic aveva comprato una casa enorme. Lui viveva lì e lì girammo il film. Ma durante la preparazione stavamo in quest’hotel, il Bourbon Orleans, su Bourbon Street. Allo stesso tempo lui si stava preparando ad un altro film, Constantine, il cui ruolo, però, andò poi a Keanu Reeves. Era la storia di quest’uomo che parla ai morti... [Cage] sentì che quest’hotel era stregato e che una volta era stato un convento di suore. In particolare, c’erano due camera infestate. Così Nic stette in una di queste e voleva un incontro con lo spirito. E io dissi, “Fanculo, io voglio stare nell’altra”. La mia stanza era appartenuta ad una suora che poi si suicidò – si impiccò, credo. La presi durante il giorno. Era piccola, il letto occupava metà camera e poi c’erano un bagno e un armadio. Ci entrai, misi la borsa sul letto e tutto era assolutamente tranquillo. Poi, un minuto dopo, sento whoosh, come dell’acqua corrente nella vasca. Vado nel bagno e la vasca è piena fino all’orlo, ma non era così quando ero entrato. Sapevo di aver chiesto una camera infestata così dissi “Salve. Se ci sono spiriti qui, io sono con voi, non voglio farvi alcun male.” Poi controllai il rubinetto per vedere se fosse allentato, se l’acqua fosse sgorgata accidentalmente, ma non lo era. Poi pensai, oh, sarà una cosa per i turisti, tipo, hanno un interruttore che apre automaticamente il rubinetto. Ma non c’era niente. Allora feci un po’di domande alle cameriere; loro non sapevano proprio niente di quella camera, ma dissero, “Oh, c’è un soldato confederato che infesta i muri. E gli piacciono le bionde. Dà noia alle bionde.”
BLVR: Come sapevano che fosse un soldato confederato?
JF: Immagino che sia stato decapitato lì, o qualcosa del genere. O forse era stato visto da qualcuno. Comunque non successe più nulla del genere nella stanza, ma la cosa strana di New Orleans è che la gente di lì parla dei fantasmi in maniera diversa.
C: Come se fosse normale.
JF: Se vai in un ristorante, ti dicono, “Sì, questo posto è infestato. C’è un fantasma nella soffitta”…
BLVR: Bambole Voodoo in libertà.
C: Avevi paura in quella stanza?
JF: No, non direi. Mi ricordo che vidi un documentario su Heidi Fleiss in quella stanza.
C: Così, per sollevarti un po’ il morale.
JF: Bè, perchè dovevo interpretare un gigolò.
C: Me lo ricordo. Era un buon film. Mi piacque.
BLVR: Parliamo di Erased James Franco. Cosa volevi “cancellare” in quel film?
C: L’hai visto?
BLVR: No, non ne ho mai avuto modo.
C: Nessuno l’ha mai visto.
BLVR: Non so dove vederlo.
C: Non lo trovi in nessun posto in realtà.
JF: Lo presenterai di nuovo da qualche parte?
C: Ora è a Vienna. Ma l’unico modo per vederlo è andare in una galleria d’arte o in un teatro.
JF: Non vuoi farlo uscire al cinema?
C: Credo che lo farò un giorno, perché molta gente me lo chiede, ma per ora è come uno dei film di Andy Warhol. Nessuno vede mai i film di Warhol. Ma tutti ne parlano.
BLVR: Già, è l’idea del film che è importante.
C: Perché la gente sa che questi film esistono, ma i più non ne hanno visti nemmeno la metà, a meno che tu non faccia una ricerca disperata. Molte persone credono di conoscerli bene, ma poi li guardano, e sono completamente diversi da come se li aspettavano.
C: Credo che la tua domanda su Erased James Franco –
JF: Quel progetto mi ha cambiato.
C: Te lo dico sempre che questo è il film per cui la gente ti ricorderà.
JF: Non credo sarà così. [Ride] Però, mi ha cambiato.
C: Cinquant’anni di tempo. Segnati le mie parole.
BLVR: Cosa “cancelli”? I tuoi vecchi ruoli?
JF: Originariamente, penso che il “cancellare” venisse dalla primissima idea del progetto, che poi è cambiata un po’: doveva basarsi su Erased de Kooning di Rauschenberg, doveva essere una vera e propria performance cancellata. Io seduto su una sedia che eseguo un’intera performance nella mia testa, ma solo il 10 percento sarebbe emerso in superficie.
C: Abbiamo fatto un test e, cazzo, era fantastico! Erano due piccoli screening test, che feci con la mia piccola videocamera – credo di averteli mandati. C’è James nel mio studio che fa quello che ha appena descritto – fa rivivere delle scene che aveva già interpretato, in film precedenti, ma non muovendosi affatto – né con il corpo, né con la voce. È grandioso, se ci penso, perché è di una noia mortale – non succede niente. Ma quando ne parli e sai cosa sta succedendo e lo guardi di nuovo, è esilarante.
BLVR: Quindi l’idea era, allo stesso modo di Erased de Kooning, di mostrare residui delle precedenti performance di James?
C: Sì.
JF: Ma quello che Carter diceva – credo che poi da qui cambiarono un po’ le cose – era, “Concettualmente è davvero interessante”. Ma tu mi parlavi del fatto che volevi mostrarlo in una galleria, volevi che ci fossero delle persone a guardarlo interamente.
C: Voglio che la gente si sieda e lo guardi.
JF: E io dissi, “A me sembra più un video che proietti su un muro e poi la gente ne guarda sì e no trenta secondi”
C: Io non volevo che andasse così. Ancora adesso non lo voglio.
JF: Bene, così iniziammo a pensarci. Ok, come lo sviluppiamo? Allora pensammo a una molteplicità di film, ma allo stesso tempo concentrandoci su specifici dettagli di quei film. Ad esempio, tu volevi porre l’accento su parti dell’interpretazione che normalmente non hanno una grande enfasi, come mangiare o bere.
C: Rispondere al telefono. Camminare.
JF: Sì, parlare al telefono – azioni, gesti. Andare da una stanza all’altra, leggere, scrivere. Così hai guardato i miei film e hai cercato tutte quei gesti lì –
C: Tutte le parti noiose. Molto noiose e concettuali. Abbiamo sviluppato il progetto in questa direzione: prendendo solo le parti noiose.
JF: Però ci hai messo anche molte scene forti emotivamente.
C: Alcune, sì. Ma poi dovevamo tornare indietro per restare fedeli all’originale.
JF: Era come se il personaggio che interpretavo stesse soffrendo per una non meglio identificabile malattia. E se si volesse cercare un senso logico, bè, ne ha moltissimo, e mi sono reso conto che c’è un legame tra tutti i film che ho fatto. Mettendoli in una visione d’insieme ci sono delle situazioni che ricorrono. Ho fatto molti in film in cui il mio personaggio aveva dei problemi con suo padre o difficoltà nell’essere creativo, cose del genere. Carter mi disse che avrei dovuto lasciare che solo il 10 percento dell’interpretazione venisse in superficie. Lo descrisse in questo modo: devi fare una buona performance – come se stessi cercando di dare la tua migliore interpretazione –
C: Però, allo stesso tempo, non ti è permesso.
JF: Così sembrava che il personaggio fosse sotto l’effetto di droghe o comunque leggermente fuori di sé. Ma siccome sapevamo di star facendo rivivere film che avevo già fatto, il mio personaggio era ben consapevole che si trattasse di recitazione; era una ri-creazione, e lo sapevamo, ma il personaggio era lo stesso partecipe di se stesso in ogni momento. Così, grazie a quella consapevolezza, è stato possibile ridare vita a quelle che altrimenti sarebbero considerate situazioni-tipo, cliché. Quanti film abbiamo visto, in cui il figlio dice “Papà, tu non mi capisci!” Ma se il personaggio è cosciente di interpretare un scena che è uno stereotipo, allora il risultato è diverso.
III. LA MERDA VIENE TAGLIATA
BLVR: Molti artisti parlano dell’arte come una forma di comunicazione. Penso che la maggior parte degli artisti, soprattutto quando invecchiano, arrivano ad un punto in cui pensano che stia accadendo qualcosa indipendentemente da se stessi. Così, utilizzando la metafora del fantasma, mi chiedo se ci hai mai pensato. Se c’è questa sorta di possessione nel tuo lavoro.
C: Tipo, se segue una certa direzione autonomamente? Credo che ogni arte sia diversa. Ci sono così tanti tipi di arte. Puoi fare la stessa domanda ad altri artisti, ma non saprebbero di cosa tu stia parlando – non sono interessati a questo genere di cose. Ma io lo sono. Lo avverto. Penso che ci sia sempre stato questo unico lungo filo rosso a collegare i miei lavori, che si trattasse di pittura, disegno, cinema o scultura. Tutto è molto correlato. Di cosa sia fatto quel filo non lo so. Potrei avere qualche idea, ma è un’indagine che condurrò per il resto della mia vita.
JF: In Maladies si parla un po’ di questo, no? Discussioni sui predecessori e su Melville, e poi mi hai dato quel –
C: Quello schizzo?
JF: Mi hai dato quello schizzo e mi hai detto, “Il tuo personaggio è questo, questa grossa balena.”
C: Sì, credo che quella dritta fosse molto d’aiuto.
JF: Lo era.
BLVR: Sentivi di dover portare la sua interpretazione in una direzione diversa da quella in cui stava procedendo?
C: No, non direi quello. Sentivo che in parte era colpa mia. Non sono molto chiaro quando dirigo qualcuno.
JF: Quindi hai pensato di dirmi che dovevo essere una balena, per chiarire le cose? [Ride]
C: Sì, pensavo che avrebbe funzionato. Che ci sarebbe stata più carne al fuoco.
BLVR: C’è un modo per capire meglio la storia della balena?
C: All’inizio il personaggio doveva avere un malessere sconosciuto. Non ti ho mai detto quale fosse, non lo sapevo nemmeno io, e non lo so ancora, ma sapevo che era un insieme di disagi mentali che confluivano in un’unica malattia, manifestata dal tuo personaggio nel film. E questo è quello che tu hai fatto emergere.
JF: Giusto. Ma quando mi hai detto “tu sei una balena”, ho pensato che il personaggio dovesse avere un mondo di cose dentro di sé, che dovesse viaggiare con la mente, ma nessuno lo avrebbe mai capito davvero. Allora capii. Sta cercando di comunicare. La sua arte è un modo per comunicare, è solo che nessuno capisce cosa voglia dire.
C: Esatto. C’è come una specie di foschia quando si tratta di provare a comunicare con altre persone.
JF: E’ assurdo quanto tempo ci abbiamo messo per sviluppare quell’idea. Ti ricordi, ne abbiamo parlato appena dopo Erased James Franco, e per un po’ lo chiamammo Gay Rapist (stupratore gay - ndJFI).
C: No, lo chiamammo GR, perchè non volevamo offendere nessuno.
JF: Perché Gawker aveva fatto questo articolo su di me, dicendo che ero uno stupratore gay. In realtà già agli inizi avevamo un sacco di idee per il progetto. Doveva riguardare due artisti di tipo diverso. E così cominciammo a parlare di soap-opera. Per questo feci General Hospital, perché stavamo lavorando a Maladies, così pensammo che il personaggio potesse essere un attore di soap. E poi tu mi dicesti, “E se recitassi per davvero in una soap-opera?”
BLVR: Come preparazione per il ruolo?
JF: No, era solo un’idea all’epoca.
C: Sì, però poi l’hai fatto.
JF: Poi mi venne in mente che il mio manager rappresenta anche Steve Burton, la più grande star della soap-opera di General Hospital. Forse potrei partecipare a una soap-opera. E per loro fu una grande idea!
BLVR: E lo farai di nuovo, no?
JF: Sì sì, tornerò. Ho grandi piani al riguardo.
BLVR: Il personaggio di Franco in General Hospital è frutto di una collaborazione tra voi due?
C: No, io non ho niente a che fare. Ci fu solo una conversazione che poi virò su – credo che a un certo punto tu domandasti del ruolo?
JF: Sì! Tu mi hai aiutato, ne parlammo, “Che ruolo dovrebbe essere?” E poi venne fuori che il personaggio di GR doveva essere un po’ folle, così dissi loro, “Facciamolo essere un artista un po’ pazzo.”
C: E loro furono d’accordo.
JF: E poi abbiamo utilizzato il personaggio della soap-opera. Abbiamo preso episodi di General Hospital nella TV in Maladies. Giusto?
C: Per un secondo. Ma era dura, perché Maladies è ambientato all’inizio degli anni ’60. Lo stile di General Hospital è ovviamente molto contemporaneo, così abbiamo preso dei pezzi che non sembrassero girati quest’anno. Credo che ci siamo riusciti. Ma mi piacciono i salti nel tempo. Il film è ambientato negli anni ’60, ma c’è un riferimento ad un vero personaggio contemporaneo.
BLVR: Così, dall’esterno, sembrerebbe che voi lavoriate su diversi livelli, ma suona tutto così accidentale, casuale, dal modo in cui ne parlate.
JF: No, credo che con questi progetti il processo sia, “Oh, ecco un’idea. Proviamo a lavorarci su.” Il progetto intero così si costruisce sulla base di queste idee che si susseguono una dopo l’altra.
C: Se ti viene un’idea, non è detto che poi la metterai in pratica al 100 percento. Ne resta una traccia. Per Maladies è andata così. E’ un’insieme di tutte le idee che ci sono venute in mente. In ogni dettaglio c’è una traccia di tutti quegli appunti, anche se non sembra qualcosa di pianificato.
JF: Quando ero sul set di General Hospital, mi sei venuto a trovare una volta e abbiamo girato qualcosa lì. Praticamente ho fatto una scena di Gena Rowlands in –
C: Una donna. (A Woman Under The Influence)
JF: Ma non potemmo usarla perché cambiò la sceneggiatura. Ma perchè cambiò?
C: Ma che cazzo ne so ormai? La merda viene tagliata. La merda viene tagliata! Devi essere realistico. Vuoi riuscire a superare te stesso per un secondo e vuoi davvero che la gente si sieda in una sala e guardi quello che hai fatto. Bisogna essere realistici e ridurre il film a un’ora e mezza.
JF: Perché hai voluto che fosse così?
C: Così come?
JF: Perché hai voluto che fosse un prodotto cinematografico, per cui la gente avrebbe comprato dei biglietti, piuttosto che renderlo un prodotto artistico da mettere in un museo?
C: Perché, prima di tutto, fare un film vero e proprio che la gente guarderà è una sfida. E’ davvero, davvero dura. Così è stata una sfida per me. In secondo luogo, volevo un pubblico. Voglio più persone che riescano a vederlo, ma un pubblico che veda qualcosa che rappresenti una sfida anche per loro.
BLVR: Quando dici “sfida”, che vuoi dire?
C: Bè, la storia non è proprio –
BLVR: Lineare?
C: No, direi che lo è. Perché abbiamo lavorato tanto a che lo fosse. Davvero tanto. La sfida per il pubblico è sedersi e guardare qualcosa di più vasto e ampio.
BLVR: Ecco, volevo chiedervi di questo spartiacque (tra arte e cinema - ndr.). Entrambi ci state arrivando con approcci diversi, l’uno con l’arte, l’altro con il cinema. Mi chiedo se ci sia una linea immaginaria, anche solo nelle vostre teste, tra fare arte e fare quello che chiamate “intrattenimento”. E da come ne parlate, sembra che vi stiate spingendo verso l’intrattenimento.
C: Bè, qualsiasi arte è per intrattenere le persone, se vuoi mostrare loro le tue opere, che sia in un museo o al cinema. C’è sempre un livello di intrattenimento. Voglio dire, deve esserci. Ma certamente, se ad un capo del filo hai Erased James Franco, hai qualcos’altro all’altro capo, che è Maladies.
JF: Come dice Carter, deve sempre esserci un po’ di intrattenimento. Io, ad esempio, cerco sempre qualcosa che mi intrighi. Anche se vuoi fare dell’arte noiosa. C’è sempre qualcosa di interessante nei film noiosi di Andy Worhol. Pensi lo stesso, “Oh, è grandioso.” Concettualmente è eccitante. E molta dell’arte che faccio io deriva dal cinema, solo che io non cerco di vendere biglietti con i miei lavori. Per me questa è una delle grandi differenze – il modo in cui l’opera è distribuita e vista e poi rientra nelle spese. Nei film c’è più responsabilità nell’intrattenere. E’ diverso se la gente deve pagare un biglietto. Puoi creare un “film artistico”, ma devi prepararli a ciò che vedranno. Quando abbiamo presentato Erased James Franco al MoMA, è stato perfetto, perché era in un teatro, ma era sempre il MoMA, quindi andava bene se non aveva una struttura narrativa tradizionale. Il pubblico non era lì per vedere Lo Squalo.
BLVR: Giusto, il contesto è –
JF: Molto di ciò che faccio nel mondo dell’arte è fotografia o video o film che hanno anche una struttura narrativa, ma è un modo per dire delle cose e rompere le regole – rompere le regole della narrativa, sfatare il mito che l’arte dev’essere esteticamente bella. Ci si può concentrare di più sul concetto, e puoi lavorare in modo da girare dei video che non siano necessariamente belli, e forse è proprio questo il punto. Invece se dirigo un film che sarà proiettato nei cinema, voglio che gli aspetti tecnici siano di un certo livello. Ho girato due film da quando sono alla NYU, uno basato su un poeta, Hart Crane, e uno sull’attore Sal Mineo. So che non saranno mai dei blockbuster, ma li abbiamo fatti ad un prezzo responsabile, in modo che non costassero eccessivamente. Sono entrambi “in costume” – Hart Crane è vissuto nella New York degli anni ’20 – ma ci sono molti edifici qui che risalgono a quel periodo, o anche prima, così è lì che abbiamo girato. Ed è fantastico.
BLVR: Così vorresti dire che la principale differenza tra i due ambiti è il denaro impiegato.
JF: È una delle differenze. Credo che una delle cose su cui devi riflettere sia che la gente pensa, “Oh, quasi tutti i film commerciali sono stupidi, sempre e ogni volta le stesse storie.” Ed è vero. A volte per mancanza di immaginazione, altre volte perché sono stati investiti così tanti soldi che poi vogliono rientrare nelle spese, così vanno sul sicuro. Ripropongono ciò che ha già funzionato. Ecco perché uno come Danny Boyle – che certamente fa film d’intrattenimento, ma gli piace fare film che stimolino lo spettatore – non accetta film da centinaia di migliaia di dollari. Fa film da venti milioni, anche se potrebbe benissimo dirigere i più grossi film in circolazione, ma vuole sempre avere un certo margine di libertà per fare film più rischiosi.
C: Anche venti non è poco.
BLVR: Hai sentito quel tipo di pressione per Maladies?
C: Vuoi dire inserirci qualcosa per fare soldi? No. Sono stato molto fortunato, ho avuto intorno a me persone che supportavano il progetto e che volevano le stesse cose che volevo io. Davvero, molto fortunato. Non so cosa succederà con Maladies, ma se siamo fortunati, la gente andrà a vederlo, e riavremo indietro i soldi.
IV. DIALOGO, DIALOGO, BATTUTA FINALE
BLVR: Come arriva l’idea di Three’s Company?
JF: Io voglio fare una domanda a questo coso, però.
C: Ouija?
BLVR: La stiamo trascurando.
JF: Gli possiamo fare una domanda su John Ritter?
C: Prima di tutto dovremmo ringraziarlo per essere un grande attore e incredibilmente divertente in Three’s Company. Grazie John Ritter.
JF, C, BLVR: Grazie, John Ritter.
JF: OK, ne ho una. John, sei andato a letto con Suzanne Somers? [Pausa]
C: Oh, dirà “no.”
JF: No! Porca vacca! Ok.
C: Ok, vediamo se è andato a letto con Don Knotts.
JF: [Ride] Ok.
C: OK, John, con tutto il rispetto dovuto, sei andato a letto con Don Knotts? È attraente, in fondo. [Pausa]
JF: Credo che dirà “no.”
BLVR: John non aveva una vita sessuale molto attiva.
JF: John, eri soddisfatto come attore? [Pausa]
JF: Amico, non la sto neanche toccando!
BLVR: Nemmeno io.
C: Sì.
JF: Sì!
BLVR: Buono a sapersi.
JF: Ok, John è uno spirito simpatico… comunque, in qualche modo ci venne l’idea, “E se Three’s Company fosse un film”? E poi, “E se prendessimo solo tre episodi e li mettessimo insieme, e li rifacessimo, facendoli durare un’ora e mezza?” L’idea ci venne in macchina. Poi l’estate scorsa ero a Vancouver, per una sezione chiamata Sundance New Frontier e mi chiesero se volessi portare qualcosa. Abbiamo fatto due cose. Abbiamo usato i primi sei episodi – forse fanno ancora così, non lo so – la prima fu una stagione super abbreviata, giusto per vedere se funzionasse, così fecero solo sei episodi. Il primo è quello in cui organizzano una festa perché la loro vecchia coinquilina, che non si vede mai, si è sposata e li sta lasciando, e hanno bisogno di una nuova coinquilina, così le fanno una festa di addio. Poi il mattino dopo, vanno in bagno, in pieno hangover e trovano Jack. Allora dicono [in falsetto], “Tu chi sei?” E Jack, “Che succede? Mi sono addormentato in bagno” E loro, “Ok, fuori di qui” E lui di nuovo, “Ok, ma vi preparo la colazione per ringraziarvi”, qualcosa del genere. Allora va e prepara la colazione, fa tipo lo chef.
C: Oh, è vero, è uno chef.
JF: Sì, fa la scuola di cucina. E poi dicono, “Wow, sei proprio un bravo cuoco – magari fossi il nostro coinquilino.” Ma penso che fosse il periodo in cui non era permesso che un uomo condividesse la casa con delle donne. Ma a loro non piaceva nessun altra che avevano incontrato così gli propongono, “Ok, ho un’idea. Fingi di essere gay, così puoi stare con noi.” Poi ci sono queste orribili e antiche battute sui gay che fa Mr. Roper. Non fanno ridere per niente. Davvero brutte. Quindi questi furono i sei episodi che stabilirono il format dello show e Larry non c’era nemmeno ancora, così abbiamo preso quelle sei puntate e le abbiamo proiettate sul grande schermo alla NUY e abbiamo ripreso con quattro videocamere, così che fosse una specie di documentario. Una camera seguiva un personaggio, un’altra l’altro personaggio, una girava tutt’intorno alla location e l’altra si soffermava su bizzarre inquadrature del cinto pelvico. Poi abbiamo preso tutta quella roba e abbiamo ri-registrato i dialoghi. Io facevo Jack e Mrs. Roper, e qualcun altro faceva Chrissy, poi abbiamo reso più intense le voci e trasformato il tutto in un dramma. Perché quella era l’idea, reinterpretarlo in chiave drammatica.
C: Con le stesse battute, ma non era più comico.
JF: Non è stato affatto facile, perchè ti rendi conto che lo show è organizzato in questo modo: dialogo, dialogo, battuta finale. Dialogo, dialogo, battuta finale. È tutto così. Quindi è difficile fare qualcosa di diverso da quel sistema, ma l’abbiamo fatto. E abbiamo pensato, “Forse possiamo fare un altro video, prendendo tre episodi dal punto clou della serie, appena prima che Susanne Somers inizi a litigare per il suo contratto.” Io credo che la quarta stagione sia la migliore. Larry era in piena forma. Susanne era ancora lì. Così abbiamo preso tre episodi importanti dello show e filmati in un hotel di Vancouver, perché, stranamente, somigliava al loro set. L’idea era di creare un’installazione. “Costruiremo uno spazio al Sundance come il salotto della serie, perché è là che si svolge la maggior parte della vicenda.” Quando andava in onda lo show, nessuno aveva internet, così la maggior parte delle persone sedeva con la famiglia e guardava la serie nei loro salotti, guardava questi personaggi, a loro volta nel loro salotto. Era una specie di strano specchio. Così abbiamo pensato, “Mettiamo uno specchio nello schermo, così il pubblico si siederà nel salotto e guarderà lo spettacolo. Così l’abbiamo proiettato su quattro pareti e il pubblico sedeva in mezzo ai personaggi. Non si è trattato di una semplice proiezione su quattro muri – perché abbiamo filmato diversi personaggi, Chrissy su un lato, Janet sull’altro e il pubblico era davvero al centro del set. Credo che abbia funzionato piuttosto bene, lo presenteremo anche al Terence Koh’s Asia Song Society.
BLVR: Voi due come vi siete incontrati?
C: Attraverso l’arte. Attraverso la pittura.
JF: Sì, ho comprato uno dei dipinti di Carter. Venni a vedere il tuo studio. E poi, subito dopo –
C: Erased James Franco.
JF: Già. Mi chiedesti se volessi fare il film con te.
C: Mi ricordo che ti incontrai e ti chiesi se volessi far parte del progetto e ricordo che pensai, “Questo ora crederà che sono malato.” Mi ricordo che entrasti e parlavi a voce molto alta. Eri seduto vicino a me e parlavi a voce altissima.
JF: Oh, ma per favore!
C: Ricordo che pensai, “Ma perché urla così?” Ci pensai anche il giorno dopo ed ero convinto che in realtà fosse andata abbastanza bene. “Ha avuto la mia attenzione e io lo ascoltavo. Ma perché parlava a voce così alta? Ci dev’essere qualcosa che non so.” Allora iniziai a farlo anch’io con le altre persone, e funzionava piuttosto bene. Parli così: [ad alta voce] “OK, ALLORA, USEREMO LA TAVOLA OUIJA, E LE FAREMO DIRE QUALCOSA. POI CI LAVORIAMO SU.”
JF: Non è vero. Non è da me! Ma davvero facevo così? Nel tuo studio?
C: Nel mio studio.
JF: Wow.
BLVR: Compri molte opera d’arte?
JF: Una volta sì, ma ora non più, perché vado a scuola. Lavoro meno e devo spendere i miei soldi per la scuola e per i beni di prima necessità.
BLVR: Che tipo di arte compravi?
JF: Richard Prince, Ed Ruscha. Ho un Chris Burden. Un Glenn Ligon, e un paio di Carter.
BLVR: Quindi, lavorate entrambi in molti campi, ma ciò che è interessante è che, nella tua posizione, James, la gente è sorpresa di sentire che sei interessato all’arte, alla scrittura e dell’idea che sia possibile avere successo e appagamento artistico facendo un sacco di cose diverse. Invece io penso che nel mondo dell’arte questa cosa vada avanti da tempo. Voglio dire, c’erano un sacco di artisti negli anni ’70 che facevano sia dipinti, sia video, sia scultura, ma oggi, in generale, c’è un po’ di resistenza all’idea che una persona possa essere tante cose diverse.
JF: Ecco, io penso che le critiche vengano da entrambe le parti, almeno inizialmente. Poi la gente si abitua. Le persone a cui tengo, o certe gallerie mostreranno i miei lavori, quindi cosa me ne frega se a Gawker o a Perez Hilton non piacciono? Io vengo dal mondo del cinema, il che attira l’attenzione di tutti questi blog da quattro soldi che vedranno la situazione solo ad un livello superficiale; non faranno il minimo sforzo per andare a fondo e indagare su ciò che davvero sto cercando di fare, o il fatto che stia frequentando la Rhode Island School of Design e ho il livello di preparazione di qualsiasi artista qualificato. Certo non puoi dire che stia facendo un secondo lavoro a nero o approfittando del fatto che sia una celebrità. Ho studiato e sto lavorando sodo. Ma queste persone commentano ad un livello superficiale delle cose e non faranno nessuno sforzo. Poi ci saranno anche persone del mondo dell’arte che pensano, “Ma che cazzo ci fa qui questo?” Quindi ne sento tante da entrambi gli ambiti. Non lo sto facendo per fare più soldi, non lo sto facendo per la carriera. Lo sto facendo perché è l’unico modo per fare delle cose che davvero voglio fare. E poi, tra un po’ di tempo non sarò più l’attore che sta cercando di essere chissà che – si abitueranno. Penso che la mia tesi sarà su questo. Il modo in cui le diverse discipline possono confluire l’una nell’altra e cosa possono diventare, come possono tradursi, quali sono i limiti, qual è il risultato delle fusioni. C’è una tradizione di ecfrasi, anche gli stessi adattamenti cinematografici di libri, quindi, in qualche modo, c’è una lunga tradizione. Oggi abbiamo così tante fonti da cui trarre qualsiasi cosa. Mi interessano le opere che sono il risultato della fusione di diverse forme d’arte e discipline. Per me, questa è una delle cose fruttuose della collaborazione con Carter. Maladies è un film, ma riguarda lo scrivere romanzi, il recitare – non solo perché degli attori interpretano i personaggi, ma perché uno dei personaggi è un attore – e la pittura. Mi interessa come tutte queste cose possano unirsi a vicenda e completarsi.
BLVR: O forse smentirsi a vicenda, anche.
JF: Sì! Certamente. Certo. E ci sono degli ambiti in cui alcune sono più adatte di altre. I film saranno sempre più forti visivamente – le immagini molto più fervide di quanto chiunque possa scrivere in un romanzo, ma in un romanzo puoi sempre offrire spunti di immaginazione diversi, invece in un film è più difficile, perché le immagini sono più concrete. La poesia non avrà mai una narrativa migliore di quella di un romanzo, ma ha momenti lirici che non trovi nei romanzi. Mi piace andare alla ricerca di queste differenze.
C: Martin Mull— l’attore di Roseanne? Sai, era un pittore.
Iscriviti a:
Post (Atom)
